曾作为国礼送给周恩来总理的重宝，是日本偷师中国的产物？

　　1935年4月2日，溥仪受邀出行日本，在裕仁天皇的盛情下，体验了前所未有的帝王之威，还收到了一件意想不到的＂国礼＂，一樽赤红色的菊兰七宝烧。
　　＂幼松添新绿，兆得满苑春...＂ 盛放的菊花和兰花交相辉映，透过琉璃的光彩，溥仪仿若看见自己梦中的复兴大业。
　　这件七宝烧陪伴溥仪走尽最后的人生道路，在新中国成立后一跃为国家一级文物。承载着国与国之间的历史，七宝烧从诞生之初，就注定了它＂外交家＂的地位。
　　大＂器＂晚成
　　七宝烧（Shippo/ Jpanese cloisonné），其名取自佛教梵语中的七宝，即金、银、玛瑙、水晶、珊瑚、珍珠、祖母绿，强调了材料的珍贵和色彩的艳丽。
　　它源于中国的景泰蓝，是一种金属制的掐丝珐琅工艺，最早可追溯至古代近东地区的埃及、波斯一代。
　　早期埃及的掐丝工艺，里面镶嵌宝石，藏于大都会博物馆
　　约公元1100，拜占庭时期，金制掐丝珐琅十字吊坠，藏于大都会博物馆
　　乾隆时期 (1736-1795)，如意造型景泰蓝装饰画板细节，拍卖价15,640,000港币
　　七宝烧在日本有着上千年的古老历史，但它的发展较晚，早期只能制造小且颜色浑浊的＂泥七宝＂，远远落后于同时期欧洲和中国的工艺。
　　黄金琉璃钿背十二棱镜/中国唐朝8世纪/现存于正仓院
　　飞鸟时代（7-8世纪）/七宝龟甲形座金具
　　1700-1800/水壶/藏于V&A博物馆
　　然而在19世纪，日本的七宝烧迎来了重大的转变：大约1833年间，一位住在尾张（今爱知县）的武士梶常吉，迫于生计开始研究起珐琅工艺。他从拆解一件中国的景泰蓝小碟中得到灵感，制造出了近代七宝烧的雏型。
　　梶常吉早期制作的香炉
　　由于缺乏科学的理论，梶常吉制作出来的珐琅器，和中国的景泰蓝比较，只能说是＂徒有其表＂。
　　梶常吉1855-1865年制作的七宝烧碗盘
　　但在短短的30年后，七宝烧的工艺迅速地发展，直到明治初期，并河靖之在德国人戈特弗里德·瓦格纳的指导下改良釉料，制成新的透明黑色珐琅釉。
　　左边的是并河靖之，他是七宝烧艺人最重要的代表之一，在1896年被任命为日本帝室技艺员。
　　至此日本的七宝烧开始走上一条汇集世界各地之大成，却富有本土特色的道路。
　　制作工艺
　　七宝烧的制作过程，从制胎、掐丝、点釉、烧釉、到打磨镀光，一共需要三十多道工序，其中最复杂的便是掐丝和点釉技术。
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　　七宝烧制作过程展示：制胎、掐丝、反复上釉、抛光打磨
　　不同与中国的铜丝，日本更常用厚度不足1毫米，宽1-2mm的银丝作业。以纯手工的方式，匠人在指尖用镊子、手指，对照器物上已描绘好的图样，弯曲扭转细细的银丝，然后嵌在面上。
　　并河靖之手绘设计底稿图
　　日本的珐琅釉料与其它地区的珐琅用料有本质的区别，是由加入金属氧化物而形成的彩色石英手工研磨制成。发展至今天，已经有从哑光到透明、哑光、千百种颜色类别。
　　点釉的过程，使用削尖的竹筷，在调水的釉料中取色，填入一格格的区块中，再入窑烧制成透明。这一过程至少要反复三到四次，甚至十几次，直到烧制成的釉色没过银丝的边缘。
　　并河靖之工坊中一位正在上釉的匠人
　　完成点釉和烧制的瓶子还要经过层层叠叠的打磨工序，将表面的釉打磨平滑，露出埋藏的银线，乃至成品表面折射出宝石一般的光华。
　　现代发展和种类
　　19世纪60年代，在明治维新的推动下，七宝烧的工艺迅速地发展至成熟。并河靖之，涛川惣助，与安藤公司等七宝烧艺人中的领头人，积极吸收西洋的珐琅工艺，不断发展新的制作技巧。
　　七宝烧的作坊以尾张为中心，延伸至京都和东京一带，繁荣时期有上百家。
　　有线七宝：
　　以银丝勾勒图案，
　　阻隔釉料的流淌，
　　防止釉料在烧制的过程中爆裂。
　　多种的七宝烧工艺中，都以有线七宝为变化基础。而日本的有线七宝烧更在发展过程中脱离整面掐丝的制约，无论多大面积的留白都不惧釉面的破裂。
　　大面积的线条留白，作品更具有现代感
　　樱花与鸟/安藤公司出品/1910年/细节处多是不足分毫大小的叶子和花瓣
　　有线七宝中又以并河靖之的作品最为惊人，他以金和银丝入画，细如发的金属丝灵活如毛笔，在瓶上镶嵌出好似工笔画的写实花鸟鱼蝶。
　　蝶纹花瓶局部/明治时期/并河靖之
　　菊御纹章藤纹大花瓶/明治时期/并河靖之/并河靖之七宝纪念馆藏
　　无线七宝：
　　上釉后取出分隔的银丝，
　　使釉料颜色相融，边界不分明，
　　呈现水墨画的效果。
　　无线七宝类似画珐琅，制作工艺却不同。常在创作中搭配其他七宝工艺，创造近景和远景的效果，是涛川惣助的拿手绝活。
　　青山远黛，远处的山河是无线七宝，前景的树木以银线推近
　　有线七宝勾勒出枝条和花瓣，无线七宝的精髓在，消融的淡黄色花蕊上
　　盛上七宝：
　　在有线七宝的基础上，
　　堆叠珐琅釉料形成浮雕的立体效果。
　　加强视觉的层次感，
　　常用于体现花瓣的质感。
　　盛上七宝的创作并没有借鉴，而是安藤七宝烧公司的匠人独立研发的创新工艺。其难度在于打磨时如何既保留光度，又维持细节上凸显的图案，是安藤公司的一大招牌。
　　省胎七宝：
　　以盐酸溶解金属内胎，
　　制成空窗珐琅的效果。
　　1900年，安藤七宝烧公司最出色的工匠——川口柴太郎，在巴黎的世博会上看到一件空窗珐琅（plique-a-jour）的装饰碗。大喜之下，他将这件作品买下，带回国，不久后研发出了具有日本特色的省胎七宝。
　　川口柴太郎1900年代在巴黎世博会看到的就是Fernand THESMAR的空窗珐琅产品。
　　这种工艺非常的困难，珐琅经常在溶解的过程中产生裂痕，越大件的作品越容易破。即使是从8岁开始制作珐琅的匠人，在60年后也难以保证100%的成品率。
　　菖蒲透胎七宝碗/安藤重兵衛作/明治時代/拍卖价145,250英镑
　　明治时期约1905年制作的省胎七宝灯罩
　　＂黄金时代＂
　　1880至1910年代被称作七宝烧的黄金年代，不仅是在工艺上达到了巅峰，七宝烧在国际的地位也逐年增加。
　　巴黎国际展会1900年的海报
　　日本在展会上的入口
　　日本在1862年伦敦国际展会上的展台
　　对外开放的这几年内，日本的七宝烧大量地出口海外，并积极地参加欧美的国际展会，夺得不少奖项。在巴黎和维也纳的万国展会上一鸣惊人后，成为继漆器和瓷器被欧美市场追捧的又一日本工艺。
　　并河靖之的作品展于首届国际现代装饰艺术展会
　　并河靖之七宝烧公司的广告，内容展示了他的作品曾多次夺得海内外大奖
　　并河靖之作品
　　七宝烧在展会上吸引了大批私人藏家的同时，也引起各大博物馆们的注意。英国的维多利亚和阿尔伯特博物馆（V&A）是拥有最大七宝烧收藏之一的博物馆，他们的第一件七宝烧始于1867年。
　　V&A博物馆收藏的七宝烧
　　日本的漆器和瓷器本是为了皇室御用而诞生，七宝烧却是为了＂出口＂而生，款式更为西洋化。诸多的工坊创始人不仅经常参加海外的交流展会，自身也多有留学的经验，所以制出的成品结合了中西方的艺术形式。
　　岩石上的瀑布花瓶/明治时期约1915/并河靖之/牛津大学Ashmolean博物馆
　　黄水仙花瓶/安藤公司作品/1950-60/藏于英国V&A博物馆
　　虽然是＂出口品＂，但成名后也成为日本外交送礼的首选。1909年日本代表献上一樽一米高的巨大赤色七宝烧，给当时的美国总统塔夫脱。这件耗时8年的七宝烧，镶嵌金丝，是展会中最亮眼也是最昂贵的七宝烧。
　　＂这是总统收到最名贵的礼物之一！＂
　　—美国的报纸报道
　　安藤七宝公司在美国1909年阿拉斯加-尤肯-太平洋博览会的宣传页和展厅照片。中间最显眼的瓶子就可能是送给总统的那一件七宝烧。
　　安藤公司赠予美国总统的七宝烧便是他们公司最尊贵，也是最有代表性的＂赤透色＂七宝烧。这种釉色加入黄金，且制造非常困难，在现代都是一种不好把控的工艺。
　　在中国与日本建交后，日本曾送给周恩来、毛泽东等国家领导人七宝烧作为国礼。现在都成为国家级的文物，收藏在中国各大博物馆内。
　　故宫中收藏的日本七宝烧瓶
　　从拜占庭的掐丝珐琅珠宝，辗转至中国变成景泰蓝，在日本又成就了七宝烧，掐丝珐琅的工艺在千年的时间内走过各个国家，留下它的足迹，而如今的七宝烧，也将继续延续这段艺术的历史，推动它走向下一个纪元。
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